插画去衣-怎么把自己喜欢的插画 弄到白色的T恤上我也想自己设计图案，怎么把自己想的弄出来再弄到衣服上要怎么

自从“毒插画”事件出现之后,家长们对学生的教材以及学习用具尤为重视。怕出一点差错给学生们带来不好的影响。

尤其是年纪较小的学生,他们对事物的认知还不全面,一旦受某种不良因素的影响,心理上很可能带来负面消极的阴影,给正常的身心发展带来不便。

图书原本是向学生们传递信息的工具,但是现在看来,很多出版社开始以盈利为目的,并不看重图书中的内容,图书也却成了“重灾区”。

《西游记》绘本出现“裸露”插图,家长愤怒指责,学生不该看这些

《西游记》是我国四大名著之一,到了假期,电视剧版《西游记》也开始“刷屏”,从老到少,基本没有人没看过这部电视剧的。而相比于电视剧,年龄小的学生更喜欢动画片。

但经常看电视,对学生的视力发育会有一定的伤害。因此,很多家长会给学生购买一些书籍,再小一点的学生,家长则会为其选择绘本读物。

通过图文结合的形式,了解著作学习知识。但是万万没想到,四大名著的《西游记》绘本也有“翻车”的时候。

近日,一名家长在网上反映了此事。

绘本中一段“女妖洗澡”的桥段尤为大胆,图画中,几个女妖穿着简单,不该露出来的地方却暴露在了外面,可以用“袒胸露背”来形容了。

而且,猪八戒还“色迷迷”的看着这些“衣不遮体”的女子。家长认为,这样的插画,并不适合出现在此,给学生看的绘本应该保守些。

家长爆出了此绘本的出版社,是由湖北少年儿童出版社出版发行,由深圳市福威智印有限公司印刷。出版社不仅玷污了我国的名著,还对读者带来不好的影响。

此事引起其他家长的共鸣,但是也有网友表示,学生思想没那么复杂

小出版社的图书确实存在一些瑕疵,家长在购买这些绘本的时候,如果查看不周也很容“踩雷”。这位家长在网上发出的这件事,也引起了很多家长的共鸣。

确实很多出版社不够严谨,没能站在学生的角度去思考问题,选择一些不符合实际的插画进行出版。很多家长认为,在这段剧情中,根本没有必要画的这样的“大胆”。

但也有网友认为,学生们的思想其实没有家长想象中那样复杂。

想想我们小时候看《葫芦娃》,葫芦娃兄弟的穿衣也很简单,但是当时根本没有注意这一点。所以,家长也不用太在意此事,顺其自然就好。

可以用烫画机将自己设计的图案印到衣服上去。

插画简介:在中国被人们俗称为插图。今天通行于国外市场的商业插画包括出版物配图、卡通吉祥物、影视海报、游戏人物设定及游戏内置的美术场景设计、广告、漫画、绘本、贺卡、挂历、装饰画、包装等多种形式。延伸到现在的网络及手机平台上的虚拟物品及相关视觉应用等……

烫画机简介:烫画机可将各种烫画经热转印烫在棉、麻、化纤等织物上,还可进行丝网印刷、胶浆、发泡等工艺热处理,还可将彩色色标、人像照片、风景图案等烤制在瓷板、金属板上,特别适合制作奖牌、纪念证牌、文化衫等,经济又实用,图案精美。它正在替代传统的刺绣和丝网印花,而成本和效果却大大低于和优于一般的刺绣和多色丝网印花。

时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。

接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一. 时尚插画的开始

时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。

在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克・卡洛(Jacques Callot)和亚伯拉罕・博斯(Abraham Bosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括Le Mecure Gallant,The Lady's Magazine,La Gallerie des Modes,Le Cabinet des Modes和Le Journal des Dames et des Modes。 在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二. 十九世纪的时尚图样(The fashion plate)

时装图样(The fashion plate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如Horace Venet的《 Incroyables et Merveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治・雅克・加丁(Georges-Jacques Gatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。

到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。 时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。

三. 二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。 随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。 时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国奢侈杂志《宪报》(Gazette du bon ton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的领军人物,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯・马丁(Charles Martin),爱德华多・加西亚・贝尼托(Eduardo Garcia Benito),乔治・巴比耶(George Barbier),乔治・勒帕佩(Georges Lepape)和翁贝托・布鲁内莱斯基(Umberto Brunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。

在美国,大众市场时尚杂志《 Vogue》和《 Harper's Bazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。 Harper's Bazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。

从1910年到第二次世界大战爆发,《 Vogue》杂志的封面始终带有插图。 Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦・德莱顿(Helen Dryden),乔治・沃尔夫・普朗克(George Wolf Plank),乔治・勒帕佩(Georges Lepape),莱恩德克尔(F.X. Leyendecker)创作的艺术品。

第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多・贝尼托(Eduardo Benito),查尔斯・马丁(Charles Martin),皮埃尔・布里索(Pierre Brissaud)和安德烈・马蒂(Andre Marty)。

四. 时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。 每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。

随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women's Journal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。 据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“New Look”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。

五. 时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作和配饰的文章,或从事广告活动。

1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥・洛佩兹(Antonio Lopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如La Mode en peinture(1982),Conde Nast’s Vanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六. 今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。 在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。 1990年代,先驱插画师Ed Tsuwaki,Graham Rounthwaite,Jason Brooks和Kristian Russell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序Adobe Photoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。 随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。

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